Arta rusă din secolul al xix-lea: caracteristici generale, istoria dezvoltării, principalele tendințe

După cum puteți învăța din istoria artei rusești, secolul al XIX-lea - este o perioadă de înflorire și dezvoltare activă a diferitelor direcții. Cultura vremii era definită de relațiile burgheze. Capitalismul s-a dezvoltat pe deplin în secolul al XVIII-lea, cuprinzând diverse sfere de producție materială, iar acest lucru a avut un impact asupra sferei neproductive. Aceste caracteristici ale ordinii sociale au avut un impact asupra doctrinei filosofice, picturii și literaturii, precum și asupra conștiinței publice. Toate acestea au avut un impact puternic asupra condiției umane.

Informații generale

Se poate înțelege literatura și arta rusă din secolul al XIX-lea numai dacă se cunosc contradicțiile care au caracterizat burghezia de atunci din țara noastră. Contextul secolului trecut nu a fost ușor. Ciocnirile interne, conflictele, tendințele opuse și confruntarea de clasă au avut un efect puternic asupra sferelor creative, intangibile ale vieții. Burghezia se lupta cu proletarii, cultura materială se afla brusc pe valul modei, iar cultura spirituală progresa pe fondul alienării individului. În secolul al XIX-lea, toate acestea s-au schimbat în mod dramatic și radical. Întreaga viață a omului a fost literalmente dată peste cap atunci când mașinile au devenit disponibile, separând omul de natură, schimbând stereotipurile și sensul omului în lume. Din acel moment, omul a devenit dependent de mașini. Mecanizarea a fost însoțită de o retragere din domeniul spiritual, de o detașare de elementele de bază. Meșteșugul și creativitatea au fost suplinite de ocupații monotone.

În multe privințe, arta rusă de la începutul secolului al XIX-lea și al XX-lea este definită de spiritualitatea publicului. Acest tip de cultură se datorează progreselor în științele naturale și descoperirilor filozofice. Știința a fost vectorul cheie al dezvoltării sociale, definind toate sferele vieții sociale. Orientările valorice erau determinate de criterii burgheze, iar respingerea unei astfel de societăți. În consecință, cultura acelui secol include mai multe tendințe aparent opuse. Aceasta a fost perioada romantismului și momentul în care realismul critic se dezvolta în mod activ. În secolul al XIX-lea, asistăm la progresul simbolismului, mulți oameni fiind atrași de naturalism, dar nu mai puțin atenție publică a fost acordată pozitivismului.

Viziunea asupra lumii și cultura

Toată cultura europeană de la începutul secolului a fost o demonstrație a contradicțiilor sociale. Este frapant cât de profundă este tensiunea creatoare, cât de strâns legate sunt știința și spiritualul, literatura și viața de zi cu zi, arta și filosofia. Arta rusă de la începutul secolului al XIX-lea este deosebit de interesantă în domeniul picturii. Desenul academic era școala dominantă la acea vreme. Istoria și reprezentarea bătăliilor erau cele mai atractive subiecte pentru artiști. Acest lucru se datorează în mare parte consecințelor, impactului asupra societății a Războiului Patriotic și a victoriei din 1812. Succesul în război a dus la o creștere a conștiinței de sine a națiunii. La mijlocul anilor `60 ai acelui secol, temele sociale și tendința domestică au devenit mai la modă și mai populare printre artiști. Spre sfârșitul secolului, impresionismul a câștigat popularitate. Dacă vă uitați la lucrările timpului, puteți vedea că din ce în ce mai des artiștii creează imagini în stilul Art Nouveau sau se îndreaptă spre școala de neoclasicism.

Arta rusă din secolul al XIX-lea nu poate fi analizată fără a face referire la desenul academic. Această școală de pictură din acest secol este cheia. Ea este cea care stabilește moda, determină tendințele populare, stilurile actuale. Clasicismul a fost metoda cheie. Portretele, pictura istorică și decorativă au fost genurile cele mai populare. Cu toate acestea, tinerii din acea vreme erau în dezacord cu conservatorismul academic. Evitând motivele din Biblie sau mitologie, ei preferau să picteze peisaje și portrete. Romantismul și trăsăturile realiste sunt din ce în ce mai evidente în operele.

Nume și exemple

Pe scurt, arta rusă din secolul al XIX-lea este un fenomen uimitor de multifațetat, marcat de o varietate de direcții și de particularitatea manifestărilor lor. Mai degrabă curioase sunt portretele lui Kiprensky. Ele arată cum se îmbină canoanele portretului cu romantismul noii epoci. Portretele lui Ceaikovski, Rostopin și Khvostov sunt cele mai grăitoare în acest sens.

Lucrările lui Tropinin nu sunt mai puțin curioase. Acestea sunt portrete realiste în care persoana este în centrul atenției. Artistul portretizează fiecare chip cu cea mai mare precizie. Figurile pe care le-a desenat îl înfățișează perfect pe omul real care a pozat pentru tablou. Deosebit de curioase și incredibil de autentice sunt portretele lui Ravich, Bulakhov și Morkov. Același artist a creat unul dintre cele mai remarcabile portrete ale lui Pușkin, cel în care marele poet se ascultă pe sine, sprijinit pe un teanc de foi.

Bryullov și Ivanov

În arta rusă din prima jumătate a secolului al XIX-lea, o școală academică puternică a ieșit în evidență, iar "Ultima zi a Pompeiului" a fost creată în conformitate cu cerințele și canoanele acesteia. Această lucrare unică este una dintre cele care l-au făcut pe autorul său Briullov celebru în întreaga lume. Din multe puncte de vedere, este cea mai bună ilustrare a schimbărilor, a dezvoltării gândirii sociale din acea perioadă. Felul în care este descrisă arată cât de puternic așteaptă societatea o schimbare, cât de puternic s-a ridicat conștiința națiunii. Opera lui Bryullov simbolizează curajul uman al celor care se confruntă cu o catastrofă teribilă.

Totuși, alte lucrări ale lui Bryullov nu sunt mai puțin curioase și revelatoare în reflectarea ideilor vremii. Valoarea artistică, istorică și culturală a "Prânzului italian" este lăudată în mod tradițional. Călușarul, Betsabea și Tânăra Călușară se numără printre bogățiile de aur ale perioadei. Până în ziua de azi, criticii admiră unicul italian Morning. Atât în aceste lucrări, cât și în alte lucrări ale eminentului autor, se poate vedea cât de exact, precis și uimitor de perceptiv Bryullov reflectă frumusețea naturii și a omului.

Ivanov nu este un reprezentant mai puțin important al artei rusești din prima jumătate a secolului al XIX-lea. În operele sale se poate vedea trezirea spiritualității oamenilor. Cea mai cunoscută dintre lucrările sale este Arătarea lui Hristos în fața poporului. Pictorul a lucrat la această pânză timp de aproximativ două decenii. Esența divină este văzută în depărtare, iar în prim-plan se află Ivan Botezătorul, care îl arată pe Iisus, atrăgând atenția oamenilor de rând. Fețele tuturor oamenilor reprezentați pe pânză se luminează pe măsură ce se apropie de divinitate, iar observatorul poate vedea imediat cum sufletele acestor oameni sunt pline de bucurie.

Centenarul se îndreaptă spre mijloc

În prima jumătate a secolului al XIX-lea, Fedotov și Venetsianov au pictat. Eforturile acestor artiști au format genul de viață, pictura socială. În picturile lui Venetsianov se poate vedea idealizarea vieții cotidiene a țăranilor. Acest artist s-a concentrat pe noblețea umană, pe uimitoarea frumusețe, care nu era determinată de apartenența socială și de diviziunea de clasă. Lucrările sale "Țărancă cu flori de porumb" și "Hambar gol" sunt deosebit de atractive. Imaginile cu oameni care lucrează pe câmp, culegând recolte etc. sunt foarte importante.

În a doua jumătate a secolului al XIX-lea, arta rusă s-a îndreptat treptat spre realism. Tema principală a perioadei a fost reflectarea vieții țărănești în toate particularitățile sale. Noua tendință a fost greu de stabilit. Adepții săi au trebuit să depună eforturi serioase împotriva reprezentanților școlii academice, care preferau pictura clasică. Unii spuneau că arta este mai presus de banal, că nu ar trebui să se concentreze asupra lumii domestice, sociale sau naturale. Cu toate acestea, după cum se poate observa din scrierile din acea perioadă, academicienii au fost nevoiți să se retragă sub presiunea unei noi direcții. Din 1862, toate genurile de pictură au fost tratate în mod egal. Din acel moment, subiectele nu au mai fost luate în considerare în evaluarea unei imagini, singura calitate importantă fiind calitatea artistică a acesteia.

Romantismul și sentimentalismul

După încheierea Războiului din 1812, interesul exploatatorilor culturii pentru viața populară rusă a crescut. O mare atenție a fost acordată individualității omului de rând. Astfel s-a născut un nou idealism, bazat pe ideea unui om independent de greutăți, puternic spiritual, care simte profund, care se exprimă cu pasiune. Acest ideal a devenit baza creației în stilul romantismului. Acest concept era nou pentru arta epocii, el a apărut abia în secolul al XIX-lea. Treptat, clasicismul a renunțat la tradițiile sale anterioare, iar romantismul a fost cel care i-a luat locul. Arta rusă din secolul al XIX-lea s-a dezvoltat în acest sens mai ales la începutul secolului. Aici este momentul în care pictura face literalmente șapte pași înainte. Cele mai bune aspirații, sufletul înalt - toate acestea trebuie să fie reflectate în operele artiștilor. El a avut succes în special prin portrete. Cele mai remarcabile lucrări ale sale în stilul romantismului aparțin periei lui Kiprensky.

A influențat în multe feluri întreaga artă rusă din secolul al XIX-lea. A studiat la Școala Preparatorie, apoi la Academia de Arte. Artistul a studiat în clasa de istorie a picturii. Lucrările sale au atras rapid atenția datorită cromaticii reușite și atipice care determină modelarea formei. Energia este reflectată în pictura pastosse, ceea ce face ca tot ceea ce este descris să fie și mai expresiv și mai emoțional. Sarabianov a vorbit despre Kiprensky și romantism, recunoscând că mișcarea din țara noastră nu era la fel de puternică ca în multe țări europene, nu avea tragismul pe care îl avusese în țările occidentale, dar Kiprensky era deosebit în această mișcare. Lucrările sale se conformează în mare parte noțiunii clasice academice de armonie, dar artistul este uimitor în a capta și analiza sentimentele subtile ale sufletului, reprezentând lucrările într-un spirit aproape de sentimentalism. Picturile lui Kiprensky arată în special o combinație de trecut și prezent. Se poate simți că aceste imagini au fost create într-o perioadă în care societatea era plină de speranță, iar conștiința era ridicată în special de victorii. Se spune că portretele romantice pictate de acest artist sunt remarcabil de fermecătoare, originale și foarte expresive.

Mai multe despre Kiprensky

Un contribuitor important la arta rusă din secolul al XIX-lea, Kiprensky a creat rareori ceva la fel de viu în timpul fazei sale italiene ca în tinerețe. Acest lucru se datorează nuanțelor destinului său. Printre cele mai interesante și semnificative lucrări se numără portretul lui Pușkin, pictat în `27. Kiprensky a creat-o când s-a întors pentru ultima oară în țara sa natală. În 1822, a pictat un portret al Avdulinei, de un elegiac izbitor, în care fiecare trăsătură este plină de tristețe.

În opinia multor critici, este imposibil de supraestimat importanța portretelor grafice care au apărut de sub tabloul acestui artist. Artistul a folosit cel mai adesea creioane italiene. Culorile folosite sunt acuarelă și pastel. Kiprensky a folosit, de asemenea, creioane colorate. Simplul fapt de a face astfel de schițe rapide este recunoscut ca fiind amuzant.

Acest gen de artă este considerat a fi cea mai bună reflectare a timpurilor moderne. În lucrările lui Kiprensky se poate vedea, cât de uimitor Folosește creioanele cu pricepere, surprinzând expresii faciale fugare și schimbări subtile, literalmente mișcările sufletului. Opera grafică a acestui celebru artist a evoluat considerabil de-a lungul anilor. Lucrările ulterioare nu sunt la fel de directe, nu au căldura de altădată, dar sunt absolut captivante în ceea ce privește virtuozitatea fiecărei lovituri și delicatețea lucrării în ansamblu.

Orlovsky

Născut în 1777, de origine poloneză, acest artist a adus o mare contribuție la arta rusă din secolul al XIX-lea. Astăzi, criticii îl numesc un romantic consecvent. El a introdus în cultura noastră unele tendințe mai caracteristice artei occidentale. Este cunoscut pentru reprezentările sale de bivuacuri și pentru picturile de naufragii. Pușkin a scris despre abilitățile sale. S-a întâmplat ca Orlovski să fie asimilat rapid prin venirea în Rusia, iar acest lucru se reflectă în lucrările sale. Deosebit de expresive și revelatoare sunt lucrările sale grafice și portretele din acest gen. În exterior, se pot observa trăsături tipice ale romantismului european, tensiune, dorință de rebeliune. În același timp, există ceva deosebit de personal și secret. În acest sens, deosebit de grăitor este tabloul său din 1809, "Da Vincenzo", care arată ca o poveste de dragoste tipic europeană. Autoportretul artistului.

Artistul a pus bazele realismului în multe feluri. El pictează scene de gen. A realizat litografii, schițe și diverse desene care înfățișează momente din viața orașului.

Timpul trece și arta se dezvoltă

Arta rusă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea este o dispariție treptată a academismului. Realismul a căpătat treptat putere de la începutul secolului. La Academia de Artă, profesorii au încercat să le insufle studenților că arta este mai presus de viață. Subiectele biblice și mitologia au fost considerate ca fiind tema principală a creativității. Acest lucru a dus la o revoltă deschisă în rândul studenților, iar comuna a fost condusă de Kramskoi. Evoluția situației din timpul secolului a fost motivul apariției Itineranților. Toți acești oameni nu au acceptat în principiu pictura academică. Miturile, tablourile decorative, teatralitatea, pomposul erau respinse de noile figuri ale artei, care doreau să picteze viața simplă. În această perioadă, pictura progresistă, a cărei idee principală era democrația, a primit cea mai mare recunoaștere socială. Kramskoi și Stasov au fost figurile cheie ale acestei perioade. Principalul colecționar al epocii a fost Tretiakov. A doua jumătate a acestui secol a fost, așadar, o perioadă în care democrația și realismul în cultura artistică au înflorit în mod deosebit.

În cadrul Academiei de Artă, noile tendințe au adus schimbări considerabile. În `63 a început Revolta celor paisprezece, care a contribuit la arta rusă de la sfârșitul secolului al XIX-lea. Mai mulți artiști care urmau să absolve academia au refuzat să picteze pe subiectele lor, în timp ce profesorii lor au refuzat să-i lase să aleagă liber subiectul lucrărilor lor finale. Ca urmare, rebelii au părăsit pur și simplu școala și și-au înființat propria galerie de artă. Dar nu a existat pentru mult timp. Curând, moscoviții și oamenii din Sankt Petersburg au înființat acele expoziții foarte itinerante din anii 1970. Acestea au fost mai des întâlnite în regiunea capitalei și mai rar în provincie orașe de provincie. Mișcarea itinerantă a existat mai mult de o jumătate de secol. Spectacolele au fost întotdeauna considerate evenimente publice importante, în special în provincie. Itineranții au avut un program ideologic și au încercat să reflecte realitatea, viața reală, problemele și dificultățile ei.

Asociația: mai multe detalii

Arta rusă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea nu se referea doar la itineranți, ci reprezenta unul dintre cele mai importante fenomene ale vremii. Myasoedov a spus odată că succesul întregii mișcări va depinde de succesul primei reprezentații. Realitatea era că avea dreptate. La 6 decembrie 1870 a avut loc o reuniune dedicată activității Asociației. S-a decis ca expoziția să aibă loc anul viitor, între 15 septembrie și prima zi a lunii următoare. În realitate, însă, termenele nu au putut fi respectate. Itineranții și-au putut prezenta lucrările publicului abia pe 25 noiembrie. Expoziția a durat puțin peste o lună și s-a încheiat în a doua zi a anului 1872. A fost un succes răsunător care a definit viitorul asociației. În total, au fost 16 expozanți cu 47 de tablouri.

Trebuie spus că arta rusă a secolelor 19-20 este cunoscută în mare parte tocmai datorită activității Itineranților. După cum spun criticii, reprezentanții acestei mișcări au fost cei care au reușit să creeze un gen unic în care au ridicat cele mai acute probleme sociale, au exprimat cele mai importante nuanțe ale vieții de zi cu zi a oamenilor obișnuiți. De exemplu, Myasoedov a pictat Zemstvo Lunch, iar Savitsky a reflectat devotamentul țărănimii față de Ortodoxie și sinceritatea credinței oamenilor obișnuiți. Pânza clasică care l-a făcut celebru pe artist - "Întâlnirea icoanei".

Genul de viață

Această mișcare a căpătat forță în anii `60 și `70 ai secolului al XIX-lea și a devenit o nouă imagine de gen. Caracteristicile mișcării Permiteți-ne să vorbim despre înrudirea sa cu impresionismul. Obiectul principal al interesului artistului este banalul, expresivitatea momentului, clipa, schimbarea de dispoziție, interesul pentru oamenii din afara normelor societății. Arta rusă de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea a reflectat în multe feluri această tendință. Ascensiunea consiliilor a făcut ca genul domestic să fie și mai relevant. Au apărut caracteristici noi, legate de socialismul spre care tindea societatea de atunci. Lucrările artiștilor arată optimism, dedicare și stabilirea unui nou mod de viață. Ceea ce a caracterizat în mod deosebit această perioadă a fost unitatea dintre social, personal și cosmopolit.

Arta rusă de la sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea este caracterizată în mod atractiv de particularitățile genului. De îndată ce sovieticii au venit la putere, Kustodiev și Vladimirov au încercat să reflecte în picturile lor schimbările care au avut loc în țară. Pimenov și Deineka au început să creeze într-un gen aparte, mai degrabă viguros și vesel. Aici puteți se pot vedea aspirațiile la construcții, spiritul societății industriale, dragostea pentru sport. Astfel de teme au devenit premisele organice pentru arta anilor `30, stabilite de particularitățile artei rusești din secolul al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Printre numele deosebit de faimoase ale vremii se numără Plastov, Odintsov. Caracteristic lui Gerasimov și picturi de Gaponenko.

Despre muzică

Arta muzicii rusești din secolul al XIX-lea este atât minunată, cât și frumoasă. Muzica a ocupat în mod tradițional un loc special în istoria țării noastre. Potrivit multor critici, școala clasică a înflorit în țara noastră la începutul secolului al XIX-lea. Glinka, Dargomyzhsky își creează propriile lor lucruri uimitoare, care ridică arta la un nivel internațional universal recunoscut. Cu toate acestea, muzica nu s-a dezvoltat în sine, ci mai degrabă în contextul progresului social și al creșterii statului național. Războiul din 1812 și revolta din 1825. Sentimentele patriotice domnesc în societate, spiritualitatea națiunii este în creștere, iar acest lucru are un efect asupra tuturor sferelor vieții culturale. Belinski avea să spună mai târziu că anul 1812 a trezit țara din somnul ei și a dezvăluit noi surse de putere...

Acesta este contextul în care a luat naștere școala clasică de muzică. Operele lui Pușkin, Zhukovski și Krylov devin emblematice pentru acea epocă. Și compozitorii au fost inspirați de uimitoarele lor opere literare. În multe privințe, dezvoltarea muzicii poate fi observată deja la nivelul Liceului. Arta muzicală s-a dezvoltat în pensiunile, universitățile și cluburile dedicate în același timp muzicii și literaturii. La Sankt Petersburg erau deosebit de cunoscute întâlnirile ținute de Odoevski, iar la Moscova de Volkonskaia și Griboyedov.

În concluzie: un pic despre arhitectură

În arta rusă a secolului al XIX-lea, arhitectura ocupă un loc aparte. În anii `30 și `50, polistila devine tendința dominantă. Acesta este valabil până la sfârșitul acestui secol. Ideea principală este rezonabilitatea definiției stilistice a obiectului. Arhitecții au luat în considerare obiectivele artistice și provocările arhitecturale ale vremii. În a doua parte a secolului, mișcarea anticlasică s-a întărit, căpătând o bază teoretică. Mai degrabă curios este discursul lui Stasov despre Renaștere și tendințele pe care aceasta le-a adus în arhitectură. El a vorbit despre cum arhitectura din vremea sa, în țara sa natală, nu a fost o restaurare, ci o nouă Renaștere. Retrospectivismul acestei epoci nu este un scop în sine, ci un mijloc de modelare a arhitecturii viitorului.